miércoles, 22 de diciembre de 2010

WOODY ALLEN / ACORDES Y DESACUERDOS



EL JAZZ Y EL CINE, AMIGOS DESDE LA INFANCIA.

Antes de nada he de decir que esta entrada esta dedicada a mi amigo Napi.

WOODY ALLEN:

Tan amante de las peripecias humorísticas de los hermanos Marx o Bob Hope como de las películas de Federico Fellini o Ingmar Bergman,Allen ha dibujado con sarcasmo las pautas de comportamiento de su país,retratado con ironía los avatares sentimentales e intelectuales de la clase burguesa Neoyorquina,homenajeado al mundo del espectáculo y diatribado sobre sus cuestiones predilectas:el Sexo,Bill Evans (Dios),el judaísmo y la muerte,ya sea,siempre de una privativa visión de autor,desde la farsa,la comedia agridulce o el drama de inspiración Bergmaniana.

"Me interesa el futuro porque es el sitio donde voy a pasar el resto de mi vida"Woody Allen.

SINOPSIS:

América años 30. Emmet Ray es un genio del Jazz, un guitarrista magistral, sólo superado por el hombre que le obsesiona: el legendario Django Reinhardt. Sin embargo, en cuanto baja del escenario Emmet se convierte en un tipo arrogante, zafio y mujeriego que bebe demasiado y que disfruta disparando a las ratas. En definitiva, él sabe que es un músico de jazz con talento, peor también que su licenciosa vida de jugador y bebedor, su tendencia a meterse en problemas y su incapacidad para comprometerse le impide alcanzar la cima profesional y sentimental. Un día Emmet conoce a Hattie, una chica muda con la que comienza una relación demasiado seria para su gusto.

Emmet tiene un gran talento. Es egocéntrico, petulante, mujeriego, inculto..., pero sólo en apariencia. Desde el primer momento nos damos cuenta de que detrás de su arrogante charlatanería se esconden grandes miedos y complejos. Su conversación es monotemática y gira en torno a su condición de segundón en el mundo del jazz. Hattie, que será su novia durante un tiempo, es muda, y parece que tiene algún retraso mental; pero es una buena chica: atenta, cariñosa, desinteresada y, lo que es más importante, está enamorada Emmet y de su música. Sin embargo, Emmet se equivoca (él mismo lo reconocerá en una de las mejores escenas de toda la película) al empeñarse en seguir, a pesar de andar siempre endeudado, ese estilo de vida lleno de excesos típicamente asociado con las estrellas. Con ello hará daño a Hattie, algo que le remorderá la conciencia pero que se empeñará en negarse a sí mismo.

Woody siempre se ha caracterizado, salvo en un par de excepciones además de ésta, por quitarle hierro al asunto de los engaños amorosos. Con su sentido del humor habitual, lo ha tratado como algo cotidiano. Pero en esta película el coprotagonista es el drama. Los personajes de Emmet y Hattie me han parecido de los mejor escritos e interpretados de toda su filmografía: rebosan matices.
De todas formas, a Woody, como a muchos de los que somos divertidos por naturaleza, le resulta imposible ver la vida sin sentido del humor, lo que le lleva a introducir algunos gags y chistes de su cosecha particular para aligerar. Me encantó el accidentado descenso de la "media luna".

Las partes de guitarra que magistralmente interpreta Sean Penn fueron en realidad tocadas por el virtuoso guitarrista Neoyorkino Howard Alden,siendo el quien se encargo de la coreografía de dedos del actor.
Si os fijáis bien,sobre todo si tocáis la guitarra,cada vez que suena un acorde o una escala,los dedos de penn asumen la métrica con tal precisión que en realidad parece que es el quien toca,tienes que ser guitarrista para darte cuenta que lo que se ve en la pantalla no concuerda con lo que se oye.
Esta extraordinaria interpretación le valió una nominación para el Oscar pero la estatuilla fue a parar a manos de Kevin Spacey por American Beauty.

"En realidad, prefiero la ciencia a la religión. Si me dan a escoger entre Dios y el aire acondicionado, me quedo con el aire"Woody Allen.

Os he puesto además de la versión en español,la original en ingles,la banda sonora de la película y para los músicos el libro de partituras con los solos de Howard Alden.
Solo espero que disfrutéis de la música y de la película.saludos,PPJZZ.

"Solo hay una cosa mejor que los comentarios....el sexo.... y como ahora mismo no lo estáis practicando....¿porque coño no comentáis?"Pepejazzy.


jueves, 2 de diciembre de 2010

TIME AFTER TIME


Nota inicial:
Este post fue co-escrito y co-producido por Pepejazzy (Jazz Solo O Con Leche), Napi (El Cielo y el Dedo) y Drummergirl (Atresillado)
O sea que todos los "yo", "me parece", "en mi opinión" y expresiones semejantes, son de alguno de nosotros.

¡Qué tema más versionado, por favor!!!! El título fue un presagio de lo que pasaría con este tema. Lo tocarían repetidas veces, una y otra vez, o vez tras vez, como quieran decirlo.
Fue compuesto para el primer álbum de Cindy Lauper por ella y Rob Hyman. Llegó a ser número 1 en el US Billboard Hot 100 Chart el 9 de junio de 1984 y permaneció en ese lugar por semanas.

En cuanto a la letra... la verdad es que no se termina de entender qué diablos quiere decir. Ayuda a la confusión el haber leído que Cindy y Rob la compusieron en el estudio de grabación, quedándose después de grabar para componerla y que supuestamente habla de la vida de Cindy y los momentos en el estudio (parece que lo de "The second hand unwinds" tiene que ver con que el reloj del productor atrasaba). Pero el video que hizo para darle imagen al tema, trata de una pareja. En fin... igualmente la letra es completamente secundaria... como lo demuestran las versiones no cantadas que hay por ahí.

Parece apropiado empezar por el original:

Resulta interesante cómo la versión original de Cindy Lauper tiene una mezcla de nostalgia con bronca y rebeldía y no tiene nada de dulce. Sin embargo, muchas de las versiones pierden ese carácter un poco agresivo. Incluso, en las versiones que hemos puesto al final de este post, en las que Cindy comparte escenario con otras cantantes, se nota esa diferencia. Cindy canta su parte con esa combinación que mencionamos, mientras que las otras cantantes tienen una cierta tendencia a la dulzura, parece que no pueden sentir ese carácter casi insurgente del original.

ORIGINAL - CINDY LAUPER





Letra

Caught up in circles
Atrapada en círculos

Confusion is nothing new
La confusión no es nada nuevo

Flashback
Recuerdo

Warm nights almost left behind
Las noches abrigadas casi quedaron atrás

Suitcase of memories
Valija de recuerdos

Time after
vez tras

Sometimes you picture me
Algunas veces me imaginas

I'm walking too far ahead
Voy caminando muy lejos

You're calling to me
Tú me estás llamando

I can't hear what you've said
No puedo oír lo que me has dicho

Then you say: "Go slow."
Luego dices: "Anda despacio".

I fall behind
Yo me retraso

The second hand unwinds
El segundero gira en sentido contrario

CHORUS (2x)

If you're lost, you can look
Si estás perdido, puedes mirar

And you will find me
Y me encontrarás

Time after time
Vez tras vez

If you fall, I will catch you
Si te caes, te levantaré

I'll be waiting
Estaré esperando

Time after time
Vez tras vez
After my picture fades
Luego de que mi foto decolora

And darkness has turned to gray
Y la oscuridad torne en gris

Watching through windows
Mirando por las ventanas

You're wondering if I'm OK
Te estás preguntando si estoy bien

Secrets stolen from deep inside
Secretos robados desde muy adentro

The drum beats out of time
El tambor golpea fuera de tiempo

If you're lost, you can look
And you will find me
Time after time
If you fall, I will catch you
I'll be waiting
Time after time

You say: "Go slow."
I fall behind
The second hand unwinds

If you're lost, you can look
And you will find me
Time after time
If you fall, I will catch you
I'll be waiting
Time after time

Por lo que se  dice, el hecho de que Miles Davis lo haya versionado despertó el  interés de otros músicos.El resultado es un caleidoscopio impresionante de revisiones, a veces hermoso yotras muy cómico y patético.

Parece que Miles Davis se enamoró de la melodía cuando la escuchó por  primera vez y que tocó este tema en casi cada concierto que dio desde  1984 hasta su muerte. La versión de estudio es del álbum "You're under  arrest" de 1985.

Versión de Miles Davis (audio)


Y acá va un video de Miles Davis:



Sylvain Luc & Birelli Lagrene
Sylvain Luc es un guitarrista francés que para mí había pasado completamente desapercibido hasta esta instancia en la que posé mis oídos en su interpretación de este tema y empecé a indagar. No se imaginan cuál fue mi sorpresa cuando descubrí, de completa casualidad, que lo vi en vivo, en el Teatro Solís de Montevideo, junto a Richard Bona, el 10 de enero de este año. No registré para nada su nombre... cosa que solo se puede explicar porque estaba bajo los efectos hipnóticos de Richard Bona. Este dúo editó dos CDs que son los más reconocidos de S. Luc. Al parecer este guitarrista es de bajo perfil, pero por lo que he estado escuchando en estos días, es un guitarrista que vale la pena escuchar con atención.


Kotaro Oshio

Este guitarrista japonés tiene su lugar entre los músicos admirados por su estilo percutivo y su técnica de “fingerpicking”. Ha hecho sus apariciones en el festival de jazz de Montreal y recibió gran aprobación.


Eva Cassidy


Esta versión pone la piel de gallina. Es realmente hermosa. Eva Cassidy y su música no fueron conocidas mientras vivió. Murió a los 33 años, en 1996, de melanoma (cáncer de piel). Y unos años después se hizo famosa. Sting dijo que cuando escuchó la versión de "Fields of Gold" de Eva (ya había muerto), le hizo llorar de emoción.


Y, puestos en anécdotas, permitídme un inciso para hablar de Eva Cassidy.

En España, la artista se empezó a escuchar después de que un disc-jockey inglés, tras el fallecimiento, la hiciera popular sin saber muy bien quién era. Un prestigioso programa de la radio pública española recogió el testigo y se hizo eco de la edición de las sucesivas entregas de las grabaciones que quedaron de ella. Cuentan que se negó a una carrera musical programada, y en cierto modo fue lo mejor que pudo hacer, máxime cuando no disponía de tiempo para perder . . . Parece ser que no grabó ningún tema suyo, sólo versiones de canciones que ella engrandecía con su punto de vista. Y para ejemplo sugiero escuchar la versión de Imagine, con una visión totalmente particular (muy imitada desde entonces) del tema del ex-beatle.

Charlie Moreno

Este bajista español grabó en el año 2005 un disco titulado “So Lonely” y en él incluyó su visión de “Time After Time”. En el sitio amigo “Zonadejazz” pueden encontrar ese primer disco, que es muy recomendable.
A ver qué les parece su visión del tema:



Boyz II Men


Ezta entrá ezta ezcrita por tré perzona,miz compañero y un zervidó hemo acordao que noz mantengamo en er anonimato,ozea de que nadie zentere de quien zomo,azi que eztoy intentando dizimulá quien é er unico andalú de loz tré.

Boyz2men....una excepcional banda de R&B, en realidad me la presentó mi hijo hace ya algunos años.....siempre hay algo especial en un grupo que puede hacer temas "Acapella". Las voces, las armonías, ese gusto especial y sobre todo esa envidia que generan a cualquier músico... porque dejémonos de historias, a todos nos gustaria tener desarrollado ese primer instrumento...la voz, y más aún si son cuatro voces como las de Boyz2men.

El grupo tuvo sus inicios en el año 88, hace ya bastantes años. Tanto así que yo creo que deberían cambiarse el nombre de Boyz2men por el de Men2veryoldmen........

Fundado en 1988 como un quinteto, aunque el grupo alcanzaría la fama como cuarteto con Wanya Morris, Michael McCary, Shawn Stockman y Nathan Morris, en Motown Records durante principios de la década de los 90.
En cuanto a ventas se refiere, Boyz II Men es uno de los grupos más exitosos de R&B de todos los tiempos. Han colocado cinco singles en el #1 entre 1992 y 1997, y desde entonces han vendido más de 60 millones de discos. Tres de sus números uno, "End of the Road", "I'll Make Love to You" y "One Sweet Day" (un dueto con Mariah Carey), rompieron récords de períodos más largos de un single en el #1 de Billboard Hot 100.

Primero, Boyz II Men firmó con Motown Records desde 1990 hasta 2000, cuando abandonaron para marcharse a Universal Records. Tras el álbum Nathan Shawn Michael Wanya de 2000, Boyz II Men se movieron a Arista Records. En 2003, Michael McCary abandonó el grupo debido a unos problemas crónicos de espalda que resultaron ser escoliosis. Desde 2005 Wanya Morris, Shawn Stockman y Nathan Morris continúan en el grupo como trío.

Actualmente, el 26 de junio, conmovidos por el fallecimiento del rey del pop Michael Jackson, Boyz II Men y otros crearon el sencillo “Better On The Other Side”.



Tuck and Patti

Hay varios videos de este tema, pero elegimos para poner aquí este con Tuck and Patti muy, pero muy, jóvenes.


Cassandra Wilson
Esta versión respira aires campestres. Los graves de la Wilson flotan por entre la instrumentación acústica, con percusiones manuales tomando el relevo de la batería, elaborando un melancólico entramado casi atmosférico.



Carolina Daian

De chica le gustó cantar y se interesó por el jazz y la música  brasieña. A los 24 años de edad se fue a Nueva York, ingresó en la  Universidad City College, y allí estudió voz, armonía, improvisación,  piano, composición, todo lo que fuera necesario para construirse como  artista.

En el 2005 fue telonera del grupo chileno La Ley en el Luna Park.

Las influencias de Carolina Daian son Janis Joplin, Billy Holliday,  Fiona Apple, Tori Amos, Björk, Marisa Monte, Travis, Coldplay y Jorge  Drexler, entre otros.

Lo extraño del caso es que su productor es Alejo Stivel (cantante de  Tequila), también productor del tan odiado programa Operación Triunfo.  No sé si Carolina ha sido un "Triunfito" o no... pero su voz tiene un  timbre cálido y hace un Pop elegante y fresco, muy, muy fácil de  escuchar.


De los Sugar Ray esperábamos una versión más jugosa. Teniendo en cuenta la fuerza con que acostumbran a tratar sus temas, esto debió de ser un regalito para las listas éxitos, supongo ;)



Quietdrive
Banda de pop punk proveniente de Minneapolis, Minnesota, formada en el año 2002. Ruidoso!




Para ruidosa, pero fragorosa de veras, la de Lokofrank, un grupo comediante (jeje) japonés.



¿Qué tal? ¿Cómo os habéis quedado tras escuchar a Lokofrank su reinvención del tema?... para aquellos que no podéis aguantar el éxtasis que os ha producido, os he de decir que se acaba de abrir el club de fans de LokoFrank en Okinawa... la página es www.cluddefansdelocofrankenokinawa.com... me acaban de informar que el número de integrantes del club de fans son 7... sí, las tres madres, tres hermanas y una prima lejana... ¿queréis ser el octavo integrante?

Rob Thomas (live, 2005)
líder del grupo Matchbox Twenty (grupo con el que ya había versioneado el tema). No aporta gran cosa, una versión más a revisar.


Everything But The Girl.
Completamente olvidable...


Tracy Chapman

Esta mujer tiene una expresión y un tono de voz muy especiales. Su visión no aporta nada al tema, decepciona; quizás porque es común esperar alguna modificación notoria, que justifique una versión. Y en esta, el muy modesto cambio sobre el final, quizás no lo justifique. Pero, cantada por Chapman, es también una bonita canción.


Sarah Menescal
Aquí hay una revisión jazzera, atresillada, del tema. La voz no tiene características especiales, pero esta interpretación tiene un valor interesante, justamente por haber logrado muy bien pasar un tema pop a jazz y que suena natural, como si siempre hubiese sido un tema de jazz.


Un recorrido por los covers de este tema hechos por personas "no famosas" ha sido un gran material de entretenimiento. Si se embarcan en ese viaje, tienen carcajadas interminables aseguradas. Pero, en ese vagar entre versiones varias, miren lo que encontramos:




En mi recuerdo (Napi) veo a la joven (¡¡¡leshe, qué jóvenes éramos!!!) de los pelos a colorines cantando en los ochentas aquello de "las chicas se quieren divertir" con aires de modernidad. No me gustaba demasiado su música, a pesar de que True Colors y Time After Time invitaban a mi inclinación hacia las baladas, pero ella me resultaba simpática. Con el paso del tiempo, estos dos temas pasaron a formar parte de mi memoria musical, sin importar su calidad o cuánto me agradaran en su momento . . . ¡el matiz que aporta la nostalgia es bálsamo para esas nimiedades!

Para mí (Patricia) este tema y Cindy Lauper me traen a la memoria mis rebeldías inocentes. Quería cortarme el pelo igual y pintármelo de colores. Incluso me fui a Alemania por unas pocas semanas diciendo que volvía con el pelo de Cindy.. Pero allá me enteré que para pintar el pelo de colores primero tenías que decolorarlo y eso te quemaba el pelo horriblemente, así que decidí en cambio comprarme una peluca verde con corte punk y ponérmela antes de bajar del avión para sorprender a mi flia y amigos en el aeropuerto, cosa que logré con total eficiencia. Antes mandé un fax diciendo que me había teñido de verde y cortado "a lo punk" y me creyeron. Luego de darles un beso y ver sus caras horrorizadas, me saqué la peluca. Fue gracioso porque no solo mis amigos sino todo la gente que había en el aeropuerto hizo "ahhhhhhhhhhhh" suspirando de alivio. Todo un acto de rebeldía en el año 1990, jajaja. La peluca esa hasta el día de hoy es usada para bailes de disfraces y noches de brujas.


La propia Cindy Lauper ha cantado este tema con varios otros cantantes y músicos. He aquí apenas una muestra de ello:

Cindy Lauper y Sarah Mclaughlan


Cindy Lauper y Patti Labelle



Y como nuestros amables (y si llegaron hasta aquí, también pacientes) lectores se podrán imaginar, después de haber escuchado tantas versiones de este tema, no sabíamos muy bien si borrar absolutamente todo rastro del tema de nuestros hogares o si intentar nuestra propia versión. Y como le tomamos cariño al tema, resolvimos lo segundo.

PePeJazzy

Hace años, en el transcurso de una expedición a una jungla tropical, con motivo del estudio de la lluvia en esas latitudes, el científico asiático-americano Mis-ko Jones descubrió en el suelo, semienterrada, una grabadora analógica, de esas que se usan para grabar sonido ambiental, seguramente perdida por alguna expedición anterior.

La abrió y descubrió una grabación, seguramente el mejor exponente del sonido de la lluvia tropical que se haya escuchado hasta la fecha de hoy!!! Lástima por el lastimero ruido de fondo de un tío intentando aporrear una guitarra!

Este increíble descubrimiento de audio es el siguiente...


Como yo no soy la ejecutante, puedo opinar con un poco de objetividad  (digo un poco, porque el cariño que le he tomado a Pepejazzy ya me  transforma en una espectadora subjetiva). Quienes se detengan un poquito  a escuchar la versión de TAT que Pepe ha  grabado (los íntimos del tema, como nosotros, lo llamamos por el apodo,  je), se darán cuenta que dista mucho de ser una grabación de un amateur.  Resultó que Pepe era guitarrista en serio! Pero  su modestia nos despistó a varios. La cosa es que esta versión de Time  after Time es una versión muy elaborada, con lindos matices, con buen  tempo, con un lindo manejo de acordes y melodía, y de agudos y graves, o  sea, uno la escucha y no siente que le falte nada (ni siquiera una  voz). Y transmite emoción, que es lo que busca un artista... o debería  buscar. Si Pepe se decidiera a entrar a un  estudio de grabación y quitarse de encima la cortina de agua (parece que  literalmente, porque llovía a cántaros el día de la grabación), nos  caeríamos de espaldas con el pedazo de ejecución que se ha mandado. El  ruido de fondo puede despistar a algún distraido pero no a mí. Pepe se toca todo y yo quiero seguir escuchando piezas tocadas por él.

Y las casualidades de la vida hicieron que a DrummerGirl la  invitara la cantante Sol Bauzá a acompañarla en algunos temas, en forma  improvisada, con el cajón peruano, junto a Jorge Fonseca (guitarra) y  Patricia López (saxo). Y entre los temas que sonaron esa noche, sonó también este tema. La calidad de la grabación es la de un mp3 colocado sobre una estantería que vibra (con la posterior ecualización y ajustes de sonido posibles de Napi). Aquí dejo el testimonio de que también en Montevideo, Uruguay, se versiona este tema.

Sol Bauzá Con DrummerGirl, Jorge Fonseca y  Patricia López


Aquí habla uno que no tuvo la constancia de seguir tocando guitarra y lo olvidó todo (Napi)
Es curioso que desde muy chaval me empeñaba en seguir el ritmo de las canciones que escuchaba (y eran muchas) golpeando con uno o dos palillos chinos (o varillas cualquiera) sobre mesa, silla, vasos, etc. Con el paso del tiempo he seguido cultivando mi afición musical, pero nunca como ejecutante  y los ágiles dedos de un solista me dejan maravillado, da lo mismo en qué instrumento, como si fuera magia, su lateralidad me asombra. Cuando además se trata de batería,  tiene una dificultad añadida, para mi corto entendimiento, porque son cuatro extremidades coordinando.
Digo todo esto porque, desde cuando he comenzado a relacionarme con mis dos hermanos de blog, lo primero que he sentido es admiración por su valentía ya que, dentro de su amateurismo y sin pretender ser nada de “otro mundo”, cultivan esa habilidad que yo me negué y además lo hacen sin prejuicios y con una enorme dignidad.
O sea que lo segundo fue envidia. Y nada de envidia sana, no ¡ké leches! ¡¡¡De la de reconcomerme, por haber sido tan idiota de no darme el placer que podéis utilizar vosotros!!!
Lo vuestro es una maravilla. Lo único que lamento es que las grabaciones no tengan un sonido más nítido, porque creo que talento hay de sobra. ¡¡¡Estoy mu' orgulloso de Drummy y PePe, joer!!!

Al  respecto de Cindy, tengo que confesar de nuevo que no me hizo mucha gracia su voz ni su estilo cuando la conocí en sus principios. Y he cambiado de opinión hace muy poco, cuando escuché el disco que comento abajo.


Cyndi Lauper-2010-Memphis Blues

La de los pelos tintados, ahora por blues.
No le fueron muy propicios los tiempos en que tuvo que “medirse contra Madonna, a pesar de ser mil veces menos pedorra, demostrándolo con unas cuantas buenas canciones.



Y cuando cambia de registro,
resulta que su voz cae que ni pintada para el blues.

De modo que, dudo si mottu propio o a cuenta de algún avispado productor, se rodea de gentecilla como Charlie Musselwhite, B.B. King, Allen Toussaint, Ann Peebles o Jonny Lang, monta un repertorio que incluye Rollin and Tumblin, Cross Roads o Down So Long y se luce.

La banda suena a gloria, con la harmónica sobresaliente de Musselwhite. La voz de Cyndi, sobria, comedida y cálida (el dúo con Peebles es una maravilla) va desgranando once temas que me han sabido a poco.




~~ Cyndi Lauper-2010-Memphis Blues 
Publicado originalmente el lunes 28 de Junio de 2010
en http://losojosdelisamurphy.blogspot.com/ ~~

sábado, 27 de noviembre de 2010

CAMARON / LA LEYENDA DEL TIEMPO


CAMARON.......LA LEYENDA.

"La leyenda del tiempo" formó un bucle que ayudó a cambiar el concepto de la música flamenca. Lo que se dice romper moldes: los músicos de Rock vieron a partir de entonces el flamenco de otra manera y los gitanos, más conservadores, tenían ya la venia para otras expresiones sin rígidez. Un LP monumental, una piedra fundamental del nuevo flamenco.
Grabado en verano de 1979, supone un disco de reforma y transición, a punto estuvieron incluso de mudarse de casa discográfica.
Es el disco en el que Camarón abandona el "De la Isla", el primero con barba y con portada diferente: una foto de Mario Pacheco, quien un lustro después daba rienda a sus Nuevos Medios.
En la difuminada contraportada del vinilo aparece Camarón toreando una vaquilla.
Con "La leyenda" bajaron las ventas en la carrera de Camarón, y al productor le gusta relatar cómo gitanos viejos iban a las tiendas de discos a devolver el disco porque decían que ése no era Camarón.

"Pero esta reacción también le ocurrió a Pansequito y Rancapino, que son amigos y familiares, le decían que se había salido de la línea... Camarón estuvo algún tiempo amargado y me decía: el próximo disco vamos a hacer un disquito flamenco". ¿Cómo consiguió Ricardo Pachón producir a Camarón?
Una vez concluido el contrato de producción con Antonio Sánchez, padre de Paco de Lucía, Manuel Molina mantuvo conversaciones para hacer el nuevo disco a Camarón, pero éste quiso volverse para La Línea.

Fue el momento en que Ricardo, que había hecho los discos de Lole y Manuel, aprovechó para ofrecerse y, antes de irse, allí mismo, le cantó el "Romance del Amargo" ("lo primero que compuse").
"Camarón estuvo fantástico porque él estaba acostumbrado a otro tipo de grabaciones... se tenía que fumar los porros en el WC.Eran grabaciones muy estándares y constreñidas, en ocho pistas como máximo.Pero aquel estudio era grande y había un ambientazo, siempre lleno de músicos, los Dolores, los palmeros..." (Ricardo Pachón)

Pero antes se vieron concentrados en Umbrete, donde meses antes se habían registrado las "Guitarras callejeras" de Pata Negra. Ricardo junta al equipo formado por Camarón, Tomatito, Raimundo (que se acababa de casar y de separar) y Kiko Veneno, con el ínclito Juan el Camas de cocinero: "Lo que más le gustaba -recuerda- era la mojarrita (pescado) frita, que se la traían de San Fernando y freíamos doce kilos; y un guiso de garbanzos con acelgas y su pringá (mezcla de carnes)".
Los de Alameda entraban y salían en un ambiente relajado alrededor de chimenea.
Estaban en la capital del mosto (vino sin fermentar), en la casa de Ricardo: "Recuerdo que "Los olivaritos" de Kiko era una cosa como dodecafónica.

Se sugería un tono y ya los olivaritos se iban haciendo más flamencos. Nos reíamos mucho y el guru era Juan el Camas. Vivíamos allí, en medio del campo, y los Pata Negra robaban naranjas por las fincas de los alrededores y venía la Guardia Civil y..."
El que más peso detentaría en el disco fue Tomatito, ese gitano del oriente.
Llegó de Almería y, aunque no había grabado hasta entonces, ya llevaba un par de años acompañando en vivo a Camarón, quien le convertiría en tocaor de leyenda, posición desde la que recapitula: "Había llegado la hora de grabar un disco, y cuando veo los temas dije... qué cosa más rara.

Yo tenía 19 años y estábamos todos locos porque saliera bien, una cosa moderna".
Si el aficionado podía encontrar algunas influencias del "Almoraima" de Paco, se iban diluyendo ante un sello personal... y casi anónimo a su pesar: "En ese momento la gente preguntaba quién era, porque sonaba algo diferente.
Pero yo estaba enfadado porque no pusieron mi nombre, ni siquiera salió en la parte de atrás del disco".
Tomate ayudó mucho en los ritmos a Antonio Moreno, el Tacita, que antes había puesto su libre batería en el disco de Veneno y aquí, de nuevo, no aparece su nombre (confundido por el de Antoñito Smash); Tacita fue el batería del dilatado primer proyecto Alameda, que poco después grabaría su primer y más exitoso disco.
De Alameda eran también bajo y teclados. Y la guitarra eléctrica, del cantante Pepe Roca, punteó en "La tarara" y "Volando voy".El que más toca en el disco, detrás de Tomatito, es Manolo Rosa, ese bajista estupendo y exigente.

Por último, por mor de Manolo Marinelli, "La leyenda" introduce sintetizador.
"Mira, el disco está bien, pero el pito ese que mete al final (por el moog), eso no vale un duro". Eso le dijo Paco de Lucía a Ricardo, que matiza:"El disco le gustó, sí.De hecho yo hablé con Paco antes que con Tomatito y primero me dijo que sí, pero después me dijo que su padre estaba un poco dolido porque después de diez discos Camarón había cambiado de productor".



La pieza "La leyenda del tiempo" pone la música a una joya,el luminoso baile final de "El perro andaluz. Burlerías", del actual Ballet Andaluz de Danza, con coreografía de María Pagés.Por cierto, curiosos arreglos jazzísticos le adapta la Metropole Orchestra de Amsterdam, Cauchout, en un disco de hace cinco años,totalmente espectacular.

José Antonio Galicia toca la batería y Rubem Dantas la percusión en "La tarara" donde hay un piano desafinado.
Se pueden escuchar los cortos y secos rasgueados de la guitarra de Raimundo y la flauta de Jorge Pardo en el "Volando voy" de Kiko Veneno.
Galicia, Dantas y Pardo pertenecían al grupo Dolores, que respaldó a Camarón ese verano del 79 en la plaza de toros de Barcelona. El cartel lo completaba Jeff Beck, Weather Report y Stanley Clarke.


Guadiana, que acaba de publicar su primer disco, es uno de los siete palmeros que intervienen en la leyenda.

Y siempre hay que acordarse del maestro Manolito Soler, cuyo taconeo pone de relieve en "Mi niña se fue a la mar", que firman a medias Kiko y Ricardo: "A partir de unos acordes de un blues que tenía Kiko, lo metí por alegrías y aprovechamos las cantiñas de Pinini".

"Volando voy", que la hacía Veneno en directo, se desenvaina como single. Algún cazaeslogan ha equiparado con el "no future" punkista aquel "volando voy, volando vengo, por el camino yo me entretengo".


Era el primer disco de Tomatito y en él deja algunos de los mejores toques de su vida, como el eléctrico final de "Tangos de la sultana", unos tangos extremeños y de la Repompa de Málaga con letra de Francisco Díaz Velázquez, el primero que publicó el Manifiesto del Borde de Smash.


Raimundo y Tomatito se doblan en la versión de Omar Kayan que tenía preparada Kiko, quien aclara: "Era un poeta persa perteneciente a la filosofía sufí del siglo XI, una especie de estoicismo dentro de las tendencias islámicas, un autor que era conocido en los círculos hippies". "Quiero al amante que gime de felicidad y desprecio al hipócrita que reza una plegaria".
Del soporte literario, la clave es García Lorca: son suyos los cuatro primeros cortes y el de cierre.


También se cogen fragmentos de poemas de Fernando Villalón ("poeta tahúr y señorito", según Juanjo Téllez), cuyo barco de vapor estaba hecho con la idea de que echándole carbón navegue contra marea.


Eran las alegrías de "Bahía de Cádiz", que tienen el aire de Enrique Morente, la única música que José llevaba en mente al llegar a Umbrete.


Gualberto se quedó solo con Camarón para finalizar el disco con "Nana del caballo grande", aquél que no quería beber porque "el agua era negra dentro de las ramas".


Gualberto recuerda: "No pudimos ensayar nada, me fui a Madrid, él se tomó una botella de agua y yo una cerveza con un bocadillo de chorizo porque estaba desmayado del viaje.


La grabamos en directo, los dos frente a frente, y un fondito de pedal que hizo Manolo Marinelli. Nos miramos, nos contestamos y fue muy natural. Salió a la primera, ni repeticiones ni recordings ni nada.


Había mucha gente en el estudio, pero Camarón estaba muy concentrado, se cuidaba mucho en esa época". "Nana del caballo grande" sería adaptada justo diez años después -mecida con grandilocuencia por la Royal Philharmonic Orchestra- para también poner fin a "Soy gitano", cogida de otra toma diferente, que hizo Camarón con el piano de Marinelli.


Dificilísimo de creer: el número de unidades de "La leyenda" vendidas, la cantidad hecha pública cuando murió el cantaor en 1992: ni seis mil. El disco del que hablamos fue considerado el mejor de toda la historia del flamenco por El País de las Tentaciones (agosto 1994), que le dedica una tópica y despistada reseña.

Con Ricardo firmó Camarón un contrato en Polygram por cuatro discos: "La leyenda del tiempo", "Como el agua", "Calle Real" y "Viviré". "La leyenda" fue punto de inflexión de discos impares, entre "Castillo de arena" del 77 y "Como el agua" del 81, donde sigue Tomatito y vuelve Paco de Lucía.

"Sí, vuelve San Paco y puso la condición de que los temas fueran de su hermano Pepe. A Camarón le pareció bien."


En la grabación de este disco toma heroína por primera vez. Su caché se acercaba por entonces al millón de pesetas, y al final, diez años después, llega a los tres millones.

"He de decir que de esas 6000 copias que se dice que vendio el disco yo compre cuatro pues lo perdi,dejandolo prestado,tres o cuatro veces.

Tambien fui testigo directo,pues vi a Camaron con Dolores en un festival que se organizo en Marbella,donde tocaban con grupos como Iman,Triana,Bloque y Cai,si mal no recuerdo".(Pepejazzy)

CONTROVERSIAS DE LEYENDA

Rafael Amador no fue a la grabación, y mientras Ricardo minimiza la incidencia de Pata Negra en el disco, Raimundo reivindica su parte:
"En "La leyenda del tiempo" el Kiko y yo pusimos bastante de nuestro rollo, aunque Ricardo se ha llevado todos los galones.
Incluso yo ensayé mucho para ese disco; muchas veces el Tomatito estaba en Almería y yo seguía allí con Kiko mirando cosas con Camarón, incluso Rafalillo y el Carapapa andaban por allí.

Por ejemplo, la bambera (por "La leyenda") a lo primero era un poco cursi, más blandito, y sin embargo le metimos una fusión que no salió de Ricardo.

El "Viejo mundo" lo teníamos grabado cantándolo Kiko para que lo aprendiera José, que te meas de risa de cómo lo canta el Kiko, muy gracioso".

Según Kiko, Ricardo le llamaba para pedirle ideas y realmente partió de él el croquis de adaptar a Lorca, "que por entonces era un poeta sagrado".
Pero Kiko va más allá: "La confluencia de Camarón conmigo, Raimundo y Tomatito joven, en la época pre-heroína, con pildorillas por medio, esa confluencia fue explosiva.

" Sin embargo, Ricardo afirma que cuando llegó Kiko la banda tenía ya montada el "Amargo" y "La leyenda" ("Lo del Amargo era un romance de soleá por bulería que tenía yo hecho desde hacía diez años").
Pachón llega a renegar de la versión de Kiko de "La leyenda del tiempo" en su último disco en estudio y habla de desfachatez al firmar Kiko la música, que eran dos bamberas -una en tono menor y otra en mayor- que él metió por bulerías.
"La música es para el que la trabaja", concluye. "Cuando se hace una adaptación popular, los derechos de autor van al adaptador... por eso podía haber puesto adaptación," matiza Kiko, quien por su parte considera que Ricardo le despidió para componer las segundas partes. Un asunto oscuro para un disco luminoso.

Autorretrato retocado. Seis cortes de "La leyenda del tiempo" se restauran para "Autorretrato", doble recopilatorio publicado en 1990.

En las nuevas mezclas se arremolinan las percusiones y palmas nada menos que de Manuel Soler, Tino Di Geraldo, Diego Carrasco y Doctor Kelly; intervienen en las variaciones de "Volando voy" y "La tarara" y mientras en la primera Tino pulsa también hacia el Caribe un bajo apasionado, en la segunda se intercala el taranto de la Gabriela.

Si en el original del "Romance del Amargo" se dobla la guitarra de Tomatito, aquí es sustituida por la sonanta de aristas de Juan Manuel Cañizares, que también mete guiños jazzísticos en "La tarara". No se intentaba parchear ni exceder lo superior germinal. Son otras tallas, otras joyas pulidas del modelo inicial.




TRACKS


La leyenda del tiempo (Federico García Lorca/Ricardo Pachón) – (Jaleos) 3:41
Romance del Amargo (García Lorca/Pachón) – (Bulerías por Soleá) 3:47
Homenaje a Federico (García Lorca/Pachón/Kiko Veneno) – (Bulerías) 4:10
Mi niña se fue a la mar (García Lorca/Pachón/Veneno) – (Cantiñas de Pinini) 3:05
La Tarara (Trad. Arr. Ricardo Pachón) – (Canción) 3:46
Volando voy (Veneno) – (Rumba) 3:25
Bahia de Cádiz (Pachón/Fernando Villalón) – (Alegrías de baile) 2:56
Viejo mundo (Omar Khayyám/Veneno) – (Bulerías) 2:45
Tangos de la Sultana (Antonio Casas/Pachón/Francisco Velázquez) – (Tangos) 4:29
Nana del caballo grande (García Lorca/Pachón) – (Nana) 4:58


MUSICOS


Camarón: voz
Tomatito: guitarra española
Raimundo Amador: guitarra española
Jorge Pardo: flauta
Manolo Marinelli: teclados
Rafael Marinelli: piano
Pepe Roca: guitarra eléctrica
Gualberto: sitar
Rubem Dantas: percusiones
Tito Duarte: percusiones
José Antonio Galicia: percusiones
Antonio Moreno "Tacita": percusiones
Pepe Ébano: bongó
Manolo Rosa: Bajo.


Para conmemorar el 30 aniversario de este disco revolucionario TVE produjo el documental "UN TIEMPO DE LEYENDA",que lo podéis ver a continuación,de todos modos si lo queréis también incluyo un link en comentarios solo me queda desearos que disfrutéis enormemente con este "DISCO DE LEYENDA".Saludos,Pepejazzy.




domingo, 24 de octubre de 2010

DIANE DENOIR Y EDUARDO MATEO / INEDITAS


LA BOSSA DEL URUGUAY.

La primera vez que oí hablar de Eduardo Mateo fue por mediación de mi amiga D.G.que me recomendó que visitara la pagina de Myspace de su amiga Soledad Bauza http://www.myspace.com/soledadbauza
Suerte que le hice caso.....en su repertorio había temas conocidos como "All of me","All the things you are","Chega de saudade"y uno totalmente desconocido para mi......Y hoy te vi,compuesto por Eduardo Mateo.

Como podréis adivinar para satisfacer mi ya conocido vicio de la curiosidad musical,entre toda la selección de temas cliqueé el que no conocía ....Y hoy te vi.......y a los cuatro compases me quede totalmente enamorado de la música.

De entrada la secuencia de acordes me recordaban al clásico "Canon in D" de Pachelbel(1680),o al tema "A Whiter shade of pale" de Procol Harum,me gusto tanto que decidí sacarlo con la guitarra.....y lo que en un principio parecía tarea fácil......se complico un poco,"Y hoy te vi"es un tema muy difícil ,esta lleno de acordes con el bajo invertido,con sustituciones,extensiones,disminuidos y séptimas con la quinta alterada......casi totalmente imposible de sacar de oído.

Así que le pedí ayuda a mi amiga D.G.y me mando la partitura del tema en cuestión,fue entonces cuando comprendí la magnitud artística de este gran genio de la música,Eduardo Mateo.

Si aquellos de vosotros, que no conocéis a este músico, queréis tener un  conocimiento mas acertado de la figura de Mateo es de visita obligada http://xacharlar.wordpress.com/2010/09/17/eduardo-mateo/ es el mayor documento gráfico que hay en la web sobre el genio de Mateo,esta lleno de datos biográficos,entrevistas y vídeos,os aseguro que no os defraudara.

Y un buen día llego a mis manos este disco,Ineditas ,de Diane Denoir y Eduardo Mateo.
Material totalmente inédito de la época en que Mateo era compositor,guitarrista,arreglista y director musical de la musa de los ojos tristes Diane Denoir.

La voz de Diane es un tanto peculiar me recuerda a la voz acazallada de Helen Merrill,al sonido que tenia Stan Getz con el saxo, al apurar las notas al máximo cuando tocaba una balada,o al suave sonido arenoso que produce el cosquilleo de las escobillas al acariciar la caja de una batería......toda una delicia para los oídos.

A continuación,un pequeño extracto de una entrevista hecha a Diane Denoir donde explica los detalles de la época y la grabación de este disco:

"La idea de editar este disco surge a partir de grabaciones que hemos podido conservar a pesar de mudanzas, humedades y exilios. Hace casi 30 años, mientras cantábamos con ingenua espontaneidad y frescura, pensando y admirando a los Beatles, a Joao Gilberto y a Elis Regina, Carlos Píriz -excelente técnico de sonido y, además, nuestro representante- nos grababa rigurosa y metódicamente. Con un equipo Edward que mirando hoy la foto se parece más a una caja de zapatos que a una consola, grabó (con acople incluido) "Vivo sonhando" y "Fever", en vivo, durante el IV Concierto Beat, en diciembre de 1966 en el Teatro Solís. El trío que me acompaña es por cierto la formación de músicos con la cual comencé a cantar en octubre del 66: Eduardo Mateo en guitarra, Roberto Galletti en batería y Antonio "Lobo" Lagarde en contrabajo.
Quizás a algunos les llame la atención que una canción de Mateo como "Estoy sin tí", la cante en francés, o se pregunten porqué tanta Bossa-nova cantada en inglés o en francés y no únicamente en portugués. Así fueron los años 60; fuimos una generación permeable a Boris Vian, Bob Dylan, Brassens, Juliette Greco, Donovan, Joan Baez, Phil Ochs, pero también a Fran^oise Hardy y Astrud Gilberto. No nos sentíamos aculturizados o extranjerizantes por cantar en otros idiomas. La reivindicación del castellano vino poco tiempo después, cuando el entorno cotidiano cambió y algunos de nosotros nos inclinamos más hacia el canto popular.
Este disco pues, es como un pequeño documento de una época en que empezamos a ocupar escenarios de teatro y sets de televisión. Pero es también una muestra de la maravillosa ductilidad y musicalidad de Eduardo Mateo que muchos desconocen. Por ejemplo, "La derniére valse" la elegí no por el tema en sí, sino por el arreglo jazzístico que le hizo Mateo. "Agua de beber" y "Berimbau" son dos dúos en portugués, de entrecasa con Mateo, en los que disfrutábamos cantando juntos. En "Berimbau" Mateo acababa de comprarse cuerdas de acero y estaba fascinado con su juguete nuevo. La mayoría de las bossa-nova fue grabadas (a veces en Sondor, otras en radioemisoras) para programas de televisión como "La Gente" de Augusto Bonardo, "Gente Joven" y "Ahí viene el tranvía" de A. Bonardo y Bernardo E. Bergeret. En cambio "Y hoy te vi", "Esa tristeza" y "Mejor me voy" con la formación de "El Kinto", fueron grabadas para ser utilizadas en "Discodromo Show" de Rubén Castillo y son anteriores a las versiones que luego grabamos para mi disco del sello "De la Planta". Las grabaciones a veces eran tan precarias que, por ejemplo, en "Garota de Ipanema" en un momento se escucha sonar un teléfono!!
La falta de homogeneidad en el sonido de este disco, los clicks, soplidos y demás defectos, se deben a que todo el material utilizado proviene de cintas que no son originales. También, a lo largo de 30 años, el tiempo marcó sus huellas en las grabaciones.
Carlos Píriz, leal amigo, hizo un trabajo de hormiga: comenzó grabándonos y terminó 30 años después pasando, limpiando, ecualizando y rescatando las viejas cintas para sacar a la luz estas inéditas de Diane Denoir y Eduardo Mateo.
Diane Denoir".

Bueno amigos y amantes del buen Jazz,o en este caso de la buena Bossa-Nova,solo espero que disfrutéis con este disco la mitad que yo lo estoy disfrutando.saludos,Pepejazzy

   

miércoles, 29 de septiembre de 2010

ROBERTA FLACK / ROBERTA


LA COMERCIALIDAD Y LA CALIDAD ¿DOS ENEMIGOS IRRECONCILIABLES?


"Al hacer sonar este disco la sensación es de haber abierto una ventana hacia un jardín en una mañana de primavera y recibir los cálidos rayos de sol y la brisa fresca y limpia.

Este CD de 1995, de Soul muy Funky y muy Jazzy, está excelentemente hecho, con impecable sonido y no falta ni sobra una nota. La música tiene toda la onda. Es imposible ponerlo y no balancearse o hasta terminar dejando de lado lo que uno estaba por hacer y ponerse a bailar. Eso sí, una advertencia: conviene tener a alguien a mano para bailar “It Might Be You” (aquel tema de la película Tootsie, ¿se acuerdan?).

La voz de Roberta tiene las características maravillosas de las mujeres de afroamericanas: esa profundidad, ese registro hermoso, esa vitalidad y ritmo envidiables. Y además, como una particularidad, tiene frescura y optimismo.  Lo que va de la mano con letras optimistas y que cuentan historias. Contar una historia completa con una letra de canción no es tan sencillo como parece, así que los que lo logran gozan de mi admiración.

Una enormidad de músicos participan en este disco. Hiram Bullock y Kenny Barron entre otros. Sería fantástico saber el por qué de tantos. ¿Se habrá grabado en diferentes etapas? ¿Serían todos amigos? Lo extraño es la unidad del disco. No parece tocado por músicos diferentes.

¿Es comercial? Sí. Es el tipo de disco que se puede escuchar en la radio. Y de hecho todos bailamos música de Roberta Flack en los 80. Pero para alguien que lo escuche con atención, no pasará desapercibida la buenísima calidad de este disco. Por otro lado, hay algún tema que no cabria en la definición de comercial. “Tenderly” es un ejemplo de tema Jazz cien por ciento, tocado y cantado con un gusto exquisito (el sonido de las escobillas y del piano!).
El tema del que quizás se podría haber prescindido es “Cottage for Sale” que se queda en lo comercial y no va mucho más allá. Como contraparte, el swing “Isn’t It Romantic” para mi gusto es una joyita, con un trabajo de bajo y batería muy disfrutable y más apreciable gracias al sonido impecable.  La voz de Roberta es privilegiada y al escucharla parece que todo lo que canta le queda comodísimo y no le significara esfuerzo ninguno.

Nació en 1939, por lo que hoy tiene 71 años. Su padre era organista de una iglesia y su primer contacto con la música fue aprender piano. ¿Qué es de Roberta Flack hoy? Según la biografía que aparece en su página web, está grabando un disco interpretativo de canciones de The Beatles y canta a menudo con orquestas sinfónicas. Fundó la Roberta Flack School of Music en el Bronx, que enseña gratis música a niños carenciados.

En fin... un disco muy recomendable. Si lo escuchan, cuenten qué les pareció."

Comments by Drummergirl


TRACKS:

1 /  Let´s stay together
2 /  Sweet Georgia Brown
3 /  Thrill is gone
4 /  It may be you
5 /  In a sentimental mood
6 /  Looking for another pure love
7 /  I don´t care who knows (baby I´m yours)
8 /  Prelude to a kiss (intro)
9 /  Prelude to a kiss
10/ Angel Eyes
11/ Tenderly
12/ Cottage for sale
13/ Isn´t it romantic?
14/ My romance
15/ You´ll never know (´till You let go )

MÚSICOS:

Jerry Barnes,bajo,guitarra, programación,coros.
Katreese Barnes,piano,saxo,coros.
Ivan Hampden, batería.
Steve Kroon, percusión.
Hiram Bullock,guitarra.
Ruy Folguera,teclados.
Steve thorton, percusión.
Bernard Wright,piano y teclados.
Aaron Flag,trompeta.
Steve Jordan, batería.
Gary Fritz, percusión.
Philip Hamilton,guitarra.
William "juju" House, batería.
Kenny Barron,piano.
Ray Drummond,bajo.
Ben Riley, batería.
Paul Pesco,guitarra.
Bashiri Johnson, percusión.
Rich Keller, programación.
Buddy Williams, batería, percusión.
Barry Miles,piano.
Roger Byam,sax.
Paul Pimsler,guitarra.
Shane Kelster,moog,bajo.
Jamal Haynes, trombón.
Anthony Jackson,bajo eléctrico.
Randy Brecker,ciscornio.
Allan Schwartzberg, batería.
Tony Terry,Andre Smith,Curtis King,Gwen Guthrie,coros.

video



lunes, 20 de septiembre de 2010

MILES DAVIS / ASCENSEUR POUR L´ECHAFAUD

                                                                                                              

LA BANDA SONORA ENTRE MILES DE BANDAS SONORAS


Miles Davis en Paris
diciembre de 1957

En invierno de 1957 Miles Davis había sido contratado por Marcel Romano, promotor del Club Saint-Germain, para una gira europea de tres semanas que no tuvo el éxito esperado y de la que solamente se concretaron tres actuaciones en Bruselas, Amsterdam y Stutgart, además de las tres anunciadas en Paris. Gracias a esta circunstancia Miles pudo tener suficiente tiempo para conocer a los intelectuales y estrellas francesas de moda, como Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir, Boris Vian y Juliette Greco -con la que mantuvo un tórrido romance-, y de vivir, de forma intensa, las noches parisinas.

El trompetista norteamericano llegó solo a Paris, sin sus músicos habituales: el maravilloso quinteto integrado por John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Jones. Por lo que Miles seleccionó músicos jóvenes sin gran experiencia en los clubes de jazz de la ciudad – aparte de Kenny Clarke, baterista obligado para todos los músicos americanos que pasaban por Paris -, el pianista René Urtreger, el contrabajista Pierre Michelot y el saxofonista Barney Wilen, conformando un grupo que, en tan solo tres semanas, habría de encontrar un lugar destacado en la historia del Jazz.

René Urtreger recuerda su primer encuentro con Davis: “Yo tenía un póster de Miles en mi habitación. La primera vez que nos vimos, estaba tocando con un trío en algún club de Montparnasse. Recuerdo que era un lugar frío y con poca luz. Miles apareció en la penumbra del local. Hacía tanto frío que se quedó con su abrigo puesto junto a la barra, daban escalofríos. Un poco más tarde saco su trompeta y comenzó a tocar con nosotros. “

Jean-Claude Rappeneau, jefe del equipo técnico de Romano, trabajaba también con un joven director aficionado al jazz, Louis Malle, que acababa de terminar el rodaje de su primera película: Ascenseur pour l´échafaud, y tuvo la feliz idea de poner a ambos en contacto para que estudiaran la posibilidad de que Davis compusiera la banda sonora de la película.

A Miles le gusto la idea de componer una banda sonora y acepto el proyecto con la condición de tener un piano y un proyector de cine para visionar la película en la habitación de su hotel. Trabajó durante dos semanas de una manera relajada ante las imágenes, en condiciones próximas al cine mudo, cuando los pianistas de la salas de cine tenían la ocasión de acompañar e improvisar varias veces la misma película.

Louis Malle era perfectamente consciente del riesgo de esta tentativa, sin precedentes en la historia del cine hablado: "La música contribuyó al éxito de la película. Le dio su tono, una atmósfera, una especie de ambiente que la música de Davis mantiene hasta el final y que le da su unidad”.

La banda sonora se caracteriza por no tener un leit-motiv concreto, un tema estelar; un concepto totalmente revolucionario en la época, y por ser una de las partituras más densas y sugerentes de la historia del cine. Se graba en tan solo dos sesiones en los estudios de La Poste Parisien, las noches del 4 y 5 de diciembre de 1957. Unos días inolvidables para Jean Moureau, la joven y atractiva protagonista del filme que ameniza las grabaciones con su simpática presencia, y para un testigo de excepción: Boris Vian.

Nunca una música se había asociado a un largometraje de esta manera. Jamás la leyenda de un filme se había construido tanto alrededor de su banda sonora. La fuerza del filme, su originalidad, plagada de novedosas imágenes, su modernidad, su trascendencia por la música de Miles Davis, su asociación a la explosión de la Nouvelle Vague, hacen que Ascenseur pour l´échafaud sea un ejemplo raro, único, de un filme que nos descubre también, un universo poético que es la identidad fundamental de la película.

La contemplación de las imagines de un Paris en negro y blanco, donde Jeanne Moreau busca un amor perdido, ha cambiado, tal vez... un poco, la historia del cine y del Jazz.

Apuntes a la grabación:

"Esta grabación fue realizada de noche en el estudio Poste Parisien en un ambiente muy distendido. Estaba allí Jeane Moreau, la protagonista de la película, que, de manera encantadora acogía a los músicos y técnicos en un bar improvisado en el estudio. También estaban presentes los productores y técnicos, y Louis Malle, en tirantes, que intentaba sacarle a Miles Davis todo lo que deseaba añadirle a la imagen. Los músicos, totalmente relajados, veían pasar en la pantalla las principales escenas de la película, y situados así en el ambiente, se lanzaban a improvisar a medida que transcurría la proyección. Es de señalar, en la toma Dîner au motel, la extraña sonoridad de la trompeta de Miles. En un momento determinado, un trozo de fragmento de piel se despegó de su labio para ir a colocarse en la boquilla. De Igual manera que los pintores deben a veces al azar la calidad plástica de sus tonos, Miles aceptó con agrado este nuevo elemento " inaudito" en el sentido literal de la palabra, jamás escuchado. No hay duda de que el oyente, incluso privado de las imágenes, será sensible al clima hechizante y trágico creado por el gran músico negro, sostenido admirablemente por sus compañeros de equipo".

Boris Vian, 1957

Saludos,Pepejazzy.

lunes, 6 de septiembre de 2010

WISHFUL THINKING



EL SISTEMA DE PENSIONES AL SERVICIO DE LA MUSICA.

Trabajaba por aquel entonces de Jefe de cocina en el restaurante de una gran superficie,corría el año 1995,y teníamos una clientela de lo mas variopinta.

Todas las mañanas venia a desayunar un típico señor ingles,vestido de traje,con un maletín,de unos 65 o 70 años de edad,calculaba yo,vamos solo le faltaba el monóculo.

Dominique,que así se llamaba,desayunaba lo mismo todas las mañanas,te y desayuno ingles,siempre con su traje y su maletín....

Hasta que una mañana me pico la curiosidad y le pregunte a mi jefa que ese señor a que se dedicaba,y ella me respondió que era un jubilado y que como su pensión no le llegaba,se dedicaba a vender Cds de segunda mano,no copias.....por aquel tiempo eso de la piratería todavía no se usaba,vamos...me acuerdo del teléfono móvil que yo usaba en aquella época y todavía me duele la mano al recordar el peso que tenia...

A la mañana siguiente me senté con Dominique y le comente mi afición por el Jazz y si tenia algo interesante....abrió el maletín y lo típico:Madonna,grandes éxitos de Elvis,Michael Jackson y cosas por el estilo.
Al desistir yo de comprar alguno me prometió que al día siguiente me traería algo de Jazz......

Y así lo hizo me trajo el "Captain Fingers" de Lee Ritenour,y este disco Wishful Thinking.

Del primero,era un disco que conocía de oídas y de haber leído alguna rewiew en alguna revista,pero del segundo no conocía absolutamente nada.

Cuando llegue a casa lo primero que hice,después de quitarme los zapatos,fue escuchar ese disco desconocido de portada extraña....

Y me sorprendió mucho la calidad del sonido,la tremenda conjunción de la sección rítmica y ese tremendo sabor afro-latino-de la costa oeste que le imprimían a todos los temas.

Me sorprendió tanto que no dude en copiar la dirección del apartado de correos del grupo y escribirles,recordad que en aquellos tiempos el Internet estaba solo empezando a nacer.

A los diez días recibí respuesta de Tim Weston,en la que me decía que conocía la Costa del Sol y que había venido por aquí de vacaciones con sus padres a principio de los setenta,también me mando abundante información del grupo y los sitios donde habían tocado,uno de ellos era el "North Sea Jazz Festival",desgraciadamente perdí las cartas en una mudanza.

Wishful Thinking,una banda que aunque sea un tanto desconocida,no por ello dejan de ser geniales.
Creo que solo editaron tres discos,pero no estoy muy seguro,si alguno de vosotros me lo puede aclarar,os lo agradezco.

MIEMBROS DE LA BANDA:

Tim Weston - Guitars
David Garibaldi - Drums
Dave Shank - Vibes & Percussion
Jerry Watts Jr. - Bass
Chris Boardman - Keyboards
Vinnie Colaiuta - Drums
Mitchel Forman - Keyboards

Y volviendo al principio el hecho de que este disco este en mi poder es por una mera circunstancia de causa-efecto que te da la vida.....
Si no fuera por el precario sistema de pensiones Ingles posiblemente yo no hubiera tenido nunca el placer de escuchar a esta magnifica banda.saludos,pepejazzy

Ps.he intentado buscar durante horas en la Web un vídeo de esta banda sin tener éxito,sin embargo he encontrado uno de David Garibaldi,baterista de la banda,que por la forma de la música creo que esta hecho en la misma época en que se grabo el disco que presentamos esta semana.

Otro inciso:Wishful Thinking toco en el"North sea Jazz festival"el doce de julio de 1990,por si alguien me puede ayudar con lo del vídeo.

video

domingo, 4 de julio de 2010

TONINHO HORTA / MONOGRAFICO


Foto,Maria Valeria Bethonico,muito obrigado.

TUDO,TUDO,TUDO,TUDO.........

Nunca he tenido la intención de ser uno de estos blogs donde te encuentras descargas masivas y en los que ni siquiera te explican porque te recomiendan escuchar esos discos,prefiero ser algo mas austero y dentro de mi poco conocimiento intentar escribir algo que sea sincero y ameno a la vez.

Por eso cuando me plantee de hacer una Mega-Entrada de Toninho Horta sabia que iba en contra de los principios de Jazz solo ....o con leche pero creo que en esta ocasión merece la pena ser algo traidor y aunque no se puede condensar una incomparable trayectoria musical de mas de 40 años en un monográfico pienso que la mejor manera de conocer a un músico, si no puedes verlo en concierto, es escuchando toda su obra.

Y aquí ¡oh! si la tenéis,toda la discografia oficial mas algunos discos mas en los que el ha colaborado.
Los que sois asiduos visitantes de este pequeño rincón jazzistico ya sabéis de la profunda admiración que le profeso a este gran maestro de Minas Gerais así que voy a seguir con una actitud contraria y voy a escribiros una escueta biografía de este gran virtuoso de la guitarra,Toninho Horta.

BIOGRAFÍA:

El influyente compositor/guitarrista,Toninho Horta, ha desarrollado un estilo muy personal de armonización,teniendo una extensa participación en proyectos de otros artistas, y también grabando más de veinte álbumes como solista,teniendo invitados especiales como Pat Metheny, Naná Vasconcelos, y Eliane Elias.

Algunos de sus éxitos como compositor han sido "Diana",O Céu De Brasília", "Durango Kid", "Beijo Partido","Manuel, O Audaz" (con Fernando Brant) y "Dona Olímpia" (con Ronaldo Bastos),.

Pasando su niñez en su ciudad natal de Belo Horizonte, Horta se hizo conocido con nombres que pronto iban a ser famosos como Nivaldo Ornelas, Milton Nacimiento, Wagner Tiso, y otros que se dieron el nombre como el "Clube da Esquina".

Su primera grabación fue para el álbum de 1969 de Nivaldo Ornelas. En 1970, acompañó a Elis Regina y Tom Jobim en el espectáculo Tom y Elis en Río. Su participación en el Clube da Esquina de Nacimiento (1972) fue notoria, y pronto se encontró tocando con Gal Costa, Nana Caymmi, Joyce, Edu Lobo, María Betânia, Dori Caymmi, entre otros. En 1973, él grabó el álbum Beto Guedes, Danilo Caymmi, Novelli la e Toninho Horta (EMI).

Su primer álbum propio apareció en 1980, "Terra Dos Pássaros", que fue grabado en EE UU en 1995 (WEA). En 1980, grabó el LP "Toninho Horta" en EMI, presentado en EE UU en 1990 por Capitol. En 1985, él tocó en el Free Jazz Festival (São Paulo) junto con Toots Thielemans y Bob McFerrin.

Horta se mudo a EE UU en 1992, continuando las grabaciones con otros artistas y grabando sus álbumes en solitario. En 1992, tocó en Londres, Inglaterra, acompañando a Marisa Monte. En 1993,apoyó a Caetano Veloso en Bruselas, Bélgica. En el mismo año, apareció en los Conciertos Heineken (Río) con Gary Peacock y Billy Higgins. En 1994, tocó con Phillip Catherine en el IX Martinica Guitarre Festival. En 1995, tocó en Japón con Herbie Hancock, Pat Metheny, y Keith Jarrett.......

Y por supuesto ha seguido grabando mas discos y haciendo mas colaboraciones hasta nuestros días.Debido a la gran extensión de esta entrada va a estar en continuo desarrollo durante algún tiempo.

Solo me queda deciros que os compréis un camión lleno de Juanito el Andador os vayáis a el Polo Sur a recoger uno de esos glaciares que se están cayendo y cuando volváis os sentéis en el sofá,os pongáis los cascos y disfrutéis de la música.saludos,pepejazzy.

1 / 1973 Beto Guedes, Danilo Caymmi, Novelli e Toninho Horta.



2 / 1980 Terra dos Pássaros.



3 / 1980 Toninho Horta



4 / 1988 Diamond Land



5 / Concerto Planeta Terra



6 / 1997 Ao Vivo no Circo Voador.Toninho Horta & Flavio Venturini



7 / 1989 Moonstone



8 / 1992 Once I Loved



9 / 1993 Durango Kid I



10 / 1994 Live in Moskow



11 / 1994 Foot On The Road



12 / 1994 Qualquer Canção.Toninho Horta & Carlos Fernando



13 / 1995 Durango Kid II



14 / 1995 Sem Você - Toninho Horta & Joyce



15 / 1997 From Belo to Seoul - Toninho Horta & Jack Lee



16 / 1995 Serenade



17 / 1999 From Ton to Tom - A Tribute to Tom Jobim



18 / 1999 Duets - Toninho Horta & Nicola Stilo



19 / 2000 Quadros Modernos - Toninho Horta, Chiquito Braga & Juarez Moreira



20 / 2004 Com o Pé no Forró



21 / 2007 Solo - Ao Vivo



22 / 2007 Toninho in Vienna



23 / 2007 Cape Horn - Toninho Horta & Arismar do Espírito Santo



24 / 2008 Tonight - Tom Lellis & Toninho Horta



25 / 2009 To Jobim with Love