Viggo Mortensen y Mahershala Ali son los grandes protagonistas de una historia ambientada en 1962, cuando un italoamericano malhablado y violento es contratado por un refinado pianista afroamericano (Dr. Don Shirley) para que le acompañe y le proteja durante su tour musical por los conservadores estados del sur de Estados Unidos. No tienen nada en común, pero la amistad acabará surgiendo entre los dos. Si el punto de partida suena anticuado, es por que lo es, pero el gran acierto de Farrelly es que en todo momento es claramente consciente de la película que está rodando. Green Book (un término que hace referencia a las guías de viaje que indicaba a los ciudadanos negros en qué alojamientos de los estados sureño podían pasar la noche) es una encantadora mezcolanza de buenos sentimientos, un inspiradísimo sentido del humor y unas gotas de conflictos raciales, creando un cóctel que sigue los pasos marcados recientemente por Criadas y señoras y Figuras ocultas, dos películas relegadas a un segundo plano por la crítica pero que la industria y el público llevaron a conseguir un puñado de nominaciones al Oscar y cifras millonarias en la taquilla. El cineasta sorprende con su equilibrado juego de géneros y su ritmo endiablado en esta historia de dos polos opuestos que acaban aprendiendo lecciones vitales de la persona que menos esperaban. Aunque parte de arquetipos más que trillados por el cine de Hollywood, el libreto firmado a seis manos por el director y dos de sus colaboradores (uno de ellos hijo en la vida real del personaje que interpreta Mortensen) está cargado de situaciones efectistas, memorables diálogos y pequeños detalles que roban el corazón del espectador. Detrás de las cámaras, Farrelly apuesta por un estilo pasado de moda que, sin embargo, encaja a la perfección con el tono y las intenciones de la historia. 💙💙💙💙💙
Set for wide release in 2017, CHASING TRANE is the definitive documentary film about an outside-the-box thinker with extraordinary talent whose boundary-shattering music continues to impact and influence people around the world. This smart, passionate, thought-provoking and uplifting documentary is for anyone who appreciates the power of music to entertain, inspire and transform. Written and directed by critically-acclaimed documentary filmmaker John Scheinfeld (The U.S. vs. John Lennon and Who Is Harry Nilsson…?) the film is produced with the full participation of the Coltrane family and the support of the record labels that collectively own the Coltrane catalog. Scheinfeld brings his strong story-telling skills to the creation of a rich, textured and compelling narrative that takes the audience to unexpected places. Set against the social, political and cultural landscape of the times, CHASING TRANE brings John Coltrane to life as a fully dimensional being, inviting the audience to engage with Coltrane the man, Coltrane the artist. 💙💙💙💙💙
Una noche de invierno, en Febrero de 1972, el famoso músico de jazz Lee Morgan fue asesinado por su cónyuge Helen durante un concierto en un club de Nueva York. El asesinato conmocionó a la comunidad del jazz y los recuerdos del suceso todavía inquietan a los que conocieron a los Morgan. 💙💙💙💙💙
Odds Against Tomorrow is a 1959 film noir produced and directed by Robert Wise for HarBel Productions,a company founded by the film's star, Harry Belafonte. Belafonte selected Abraham Polonsky to write the script, which is based on a novel by William P. McGivern. As a blacklisted writer Polonsky used a front, John O. Killens, a black novelist and friend of Belafonte's. In 1996, the Writers Guild of America restored Polonsky's credit under his real name. Odds Against Tomorrow was the last time Wise shot black-and-white film in the standard aspect ratio, which "gave his films the gritty realism they were known for". Plot : David Burke (Ed Begley) is a former policeman who was ruined when he refused to cooperate with state crime investigators. He has asked hard-bitten, racist, ex-con Earl Slater (Robert Ryan) to help him rob an upstate bank, promising him $50,000 if the robbery is successful. Burke also recruits Johnny Ingram (Belafonte), a nightclub entertainer who doesn’t want the job but who is addicted to gambling and is in debt. Slater, who is supported by his girlfriend, Lorry (Shelley Winters), finds out Ingram is black and refuses the job. Later, he realizes that he needs the money, and joins Ingram and Burke in the enterprise. Tensions between Ingram and Slater increase as they near completion of the crime. Burke is seen by a police officer leaving the scene of the raid, and is mortally wounded in the ensuing shootout with local police, so he commits suicide by shooting himself. Slater is insensitive and cavalier about the death of Burke which incenses Ingram. Slater and Ingram begin to fight each other as they try to evade capture by the police. Ingram and Slater escape and run into a nearby fuel storage depot. They chase after each other on the top of the fuel tanks. They exchange gunfire and ignite the fuel tanks and cause a large explosion. Afterwards, their corpses are indistinguishable from one another. The last scene focuses on a sign at the entrance of the fuel storage depot saying, "Stop, Dead End". Cast : Harry Belafonte as Ingram Robert Ryan as Slater Shelley Winters as Lorry Ed Begley as Burke Gloria Grahame as Helen Will Kuluva as Bacco Kim Hamilton as Ruth Mae Barnes as Annie Richard Bright as Coco Carmen De Lavallade as Kitty Lew Gallo as Moriarty Lois Thorne as Eadie Wayne Rogers Soldier in bar Zohra Lampert as Girl in Bar Allen Nourse as Police Chief Cicely Tyson as Jazz Club Bartender (uncredited) Mel Stewart as Hotel Juno Elevator Operator (uncredited) Robert Earl Jones as Jazz Club Patron (uncredited). Production : Principal photography began in March 1959.All outdoor scenes were shot in New York City and Hudson, New York.According to director Robert Wise: "I did something in Odds Against Tomorrow I'd been wanting to do in some pictures but hadn't had the chance. I wanted a certain kind of mood in some sequences, such as the opening when Robert Ryan is walking down West Side Street...I used infra-red film. You have to be very careful with that because it turns green things white, and you can't get too close on people's faces. It does distort them but gives that wonderful quality—black skies with white clouds—and it changes the feeling and look of the scenes." The film score was composed, arranged and conducted by John Lewis of the Modern Jazz Quartet and the soundtrack album was released on the United Artists label in 1959.To realise his score Lewis assembled a 22 piece orchestra that included MJQ bandmates Milt Jackson on vibraphone, Percy Heath on bass and Connie Kay on drums, as well as Bill Evans on piano, and Jim Hall on guitar.Allmusic's Bruce Eder noted, "This superb jazz score by John Lewis was later turned into a hit by The Modern Jazz Quartet. It's dark and dynamic, and a classic".The Modern Jazz Quartet's album of Lewis' themes; Music from Odds Against Tomorrow was recorded in October 1959 and one of the tracks "Skating in Central Park", became a permanent part of the MJQ's repertoire.It was also reused for a similar scene in the 1971 film Little Murders.
TRACKS : 01. Skating In Central Park 6:07 02. No Happiness For Slater 5:18 03. A Social Call 4:45 04. Cue #9 5:00 05. A Cold Wind Is Blowing 7:29 06. Odds Against Tomorrow 3:33 Recorded at Olmsted Sound Studios in New York City on October 9, 1959. MUSICOS : Piano, Composed By – John Lewis (2) Vibraphone [Vibes] – Milt Jackson Bass – Percy Heath Drums – Connie Kay Orchestra : John Lewis - arranger, conductor Bernie Glow, Joe Wilder, John Ware, Melvyn Broiles - trumpet John Clark, Tom McIntosh - trombone Al Richman, Gunther Schuller, Paul Ingram, Ray Alonge - French horn Harvey Phillips - tuba Robert DiDomenica - flute Harvey Shapiro, Joseph Tekula - cello Ruth Berman - harp Milt Jackson - vibraphone Bill Evans - piano Jim Hall - guitar Percy Heath - bass Connie Kay - drums Richard Horowitz - timpani Walter Rosenberger - percussion.
Calidad AVI,Version Sonora Original,Subtitulos Español e Ingles
El teniente Frederick Manion está acusado de matar al barman que dio una paliza y violó a su mujer, Laura Manion. En el juicio lo defiende Paul Biegler, reacio en un principio a aceptar el caso. Entiende que existen razones poco claras en el comportamiento de Manion respecto a Laura, mujer de conocida vida social, que mantenía relaciones con el asesinado. Para el fiscal Dancer fue el mismo teniente quien al enterarse golpeó a su mujer y en un ataque de ira, cometió el crimen. Biegler argumenta en el juicio un “impulso irresistible” por parte del acusado con la intención de que sea declarado “no culpable”.
Los filmes sobre juicios obligan a los directores a establecer un estudio previo de la situación que constituye el desarrollo de la película. Según sea el punto de vista predominante, el planteamiento puede debilitarse o por el contrario reforzarse. Otto Preminger, respetando la novela que le sirvió de punto de partida, modificó de modo intencionado las claves del juicio, con el fin de mantener el clímax en el ánimo del espectador. Y fue un acierto. La historia del teniente Frederick Manion, vigorosa y cínicamente interpretada por Ben Gazzara, es la base y el motivo a través del cual Preminger centra la acción del filme.
Los espléndidos diálogos del guionista Wendell Mayes se limitan en todo momento al intento por descubrir dónde radica el engaño, en ahondar en la duda que alberga el abogado defensor de Manion a quien acecha la incertidumbre de estar defendiendo tal vez a un asesino. Todas las situaciones destilan una ambigüedad premeditada, causa principal de la pasión que llega a generar el desarrollo de la película.
Preminger, que se caracterizaba por ser muy duro y exigente en sus rodajes, quedó muy satisfecho por la labor de los actores principales; aparte del citado Ben Gazzara, James Stewart compone un extraordinario papel en la figura del abogado, Lee Remick alcanza momentos magníficos en su interpretación de la esposa de Manion y George C. Scott resulta muy convincente en la piel del fiscal.
Es posible que a lo lardo de su dilatada y productiva carrera, Preminger haya dirigido filmes mejores, pero de lo que no cabe duda es de que Anatomía de un asesinato se encuentra a la cabeza entre las cintas dedicadas a un juicio criminal.
Para la 32 edición de los Oscar, Anatomía de un asesinato fue nominada en siete apartados: película, actor, actor secundario (Arthur O’Connell y George C. Scott) guión adaptado, fotografía y montaje.
James Stewart fue declarado por la Asociación de Críticos Cinematográficos de Nueva York como el mejor actor del año y en el Festival de Venecia de 1959 recibió la Copa Volpi al mejor intérprete masculino.
El abogado Joseph N. Welch interpretó el papel del juez. Otto Preminger explicó: “La razón por la que elegí a Welch fue que a ninguno de los actores a quienes les propuse el papel aceptaron, justificando que el papel era demasiado pequeño. Primero se lo ofrecí a Spencer Tracy y después a Burl Ives. Mi asistente me sugirió que deberíamos utilizar a un verdadero abogado, así que contacté con Welch, que era famoso por su papel en las conocidas sesiones que promovió el senador McCarthy en el Senado”.
El duro lenguaje judicial empleado en Anatomía de un asesinato, movilizó a varias organizaciones religiosas y sociales, que pidieron a sus feligreses que no fueran a ver la película.
Lee Remick sustituyó a Lana Turner en el papel de Laura Manion. Preminger despidió a Lana. Existen dos versiones al respecto: la del director atribuyendo el despido al menosprecio de la actriz por el vestuario y el de la propia Turner, quien comentó: “No abandonaría un rodaje por algo tan trivial como el vestuario. Sencillamente era imposible enfrentarse al impredecible temperamento del señor Preminger.”
Lee Remick rechazó el papel semanas antes de iniciarse el rodaje por estar embarazada de ocho meses. Preminger a cambio, le ofreció el papel de Mary Pilant, que finalmente interpretó la esposa de Bing Crosby, Kathryn Grant. Remick, ante la sorpresa del director, también lo rechazó. El 28 de enero de 1959 nació la hija de la actriz y un mes después recibió la llamada del asistente de Preminger, Gus Schirmen , para que sustituyera a Lana Turner.
La banda sonora está compuesta por Duke Ellington que aparece haciendo un cameo en la película.
Destacar también de la película los títulos de crédito iniciales, obra de Saul Bass.
Ficha artística:
James Stewart (Paul Biegler)
Lee Remick (Laura Manion)
Ben Gazzara (Frederick Manion)
Arthur O’Connell (Parnell McCarthy)
Eve Arden (Maida)
Kathryn Grant (Mary Pilant)
Joseph N. Welch (Juez Weaver)
Brooks West (Mitch Lodwick)
George C. Scott (Claude Dancer)
Murray Hamilton (Alphonse Paquette)
Ficha técnica:
Director: Otto Preminger
Productora: Carlyle Prods./Columbia Pictures
Productor: Otto Preminger
Argumento: Novela del mismo título de Robert Traver, 1956
Contada a través de los sabios ojos de su joven hija Amy (Elle Fanning, Super 8), Low Down, narra la controvertida vida del pianista de jazz Joe Albany (Joe Hawkes, Lincoln) durante los años 60 y 70.
Nacida y criada en el seno de una familia poco ortodoxa, la adolescente Amy maduró a la sombra de los problemas y la lucha de Joe, entre sus dotes musicales y su fuerte adicción a la heroína. Mientras Amy divagaba a través de la vida de los artistas, músicos y vagabundos que inundaban su edificio, ella trataba de aferrarse al amor que compartía con su deteriorado padre.
Amy se vio obligada a definir su propia identidad sin ayuda, diferenciando su propia vida de los continuos problemas de su padre, en los que no faltaron los fracasos matrimoniales. El gran potencial que albergaba Joe fue, paradójicamente, su gran perdición, pues no supo controlar la fama, ni por consiguiente, la vida de su hija.
Establecida en un suntuoso contexto del Hollywood de 1970, la ópera prima de Jeff Preiss, cuenta de manera sutil el especial y único amor que compartieron Amy y Joe.
Tambien muy interesante el documental "Joe Albany,a Jazz Life"........
Alfie (Michael Caine), un cockney londinense que trabaja como chófer en una empresa de coches de alquiler, es famoso en la ciudad por ser un galán seductor e irresistible. Sus numerosas conquistas le hacen ver lo deliciosa que es la vida de soltero; además, todas las chicas desean que sus nombres figuren en esa lista de honor, de la que Alfie se siente tan orgulloso. (FILMAFFINITY)
1966: 5 nominaciones al Oscar, incluyendo película, actor (Caine), actriz sec. (Merchant) 1966: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado 1966: Globos de Oro: Mejor película extranjera de habla inglesa. 7 nominaciones.
Esta comedia agridulce supuso el descubrimiento internacional de un actor extraordinario, Michael Caine, que aquí encarna a Alfie, un cínico y mujeriego londinense envuelto en una hedonista vorágine que lo conducirá en un periplo de alta libido hacia una existencial zozobra interna. Alfie es un tipo despreocupado, insensible pero simpático. Un Casanova del siglo XX que sin querer asumir responsabilidades de ningún tipo, busca hacer acopio de sus numerosas conquistas femeninas para satisfacer sus instintos más primarios. Mujeres de muy distinta índole social y psicológica pasarán por su catre (y coche) utilizando para su conquista todos los métodos imaginables de seducción. Lo malo es que el cazador puede acabar él mismo siendo presa de su montería.... La película va desarrollando por la esencial mediación del diálogo las desventuras amorosas y emocionales del rubio Alfie en el swingin' London sesentero desde el propio punto de vista del personaje y a ritmo jazzístico de Sonny Rollins. Caine no cesa de hablarnos a la cámara comentando su propio sentir desde una postura harto arrogante hacia la vida y los componentes de la misma. Vamos así acompañando sus acciones casi de manera cómplice (a pesar de sus reprobables actitudes) hasta contemplar la caída en su propia trampa envueltos en un cúmulo de sensaciones que el guión de Bill Naughton, la realización de Lewis Gilbert y la interpretación de Michael Caine saben trasladar con notable énfasis.
Lo más endeble del film es el acentuado de la moraleja condenatoria. Lo mejor, las interpretaciones de todos los personajes implicados en la historia sobresaliendo la prodigiosa actuación de Caine que sería nominado al Oscar de Hollywood al igual que Vivien Merchant, la actriz que interpreta a la mujer de su amigo del hospital. Para fans de los Beatles, citar que Jane Asher, la muchacha pelirroja que hace autostop era la antigua novia de Paul McCartney (y hermana de Peter Asher, miembro del dúo Peter & Gordon). Siguiendo con la melomanía indicar que la canción "Alfie", compuesta por Burt Bacharach y Hal David está cantada por la popular Cher.
SONNY ROLLINS / ALFIE (V.S.O.)
Calidad FLAC
TRACKS:
01. Alfie's Theme . 9:41 02. He's Younger Than You Are . 5:09 03. Street Runner with Child . 3:59 04. Transition Theme for Minor Blues or Little Malcolm Loves His Dad . 5:49 05. On Impulse . 4:28 06. Alfie's Theme Differently . 3:44.
Recorded at Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, NJ, January 26, 1966.
MUSICOS :
Sonny Rollins – composer, tenor saxophone J.J. Johnson – trombone (tracks 1 & 2) Jimmy Cleveland – trombone (tracks 3-6) Phil Woods – alto saxophone Bob Ashton – tenor saxophone Danny Bank – baritone saxophone Roger Kellaway – piano Kenny Burrell – guitar Walter Booker – bass Frankie Dunlop – drums Oliver Nelson – arranger, conductor
Pocos trabajos cinematográficos son creíbles,muy pocos hablan de historias cotidianas y casi ninguno relatan las pasiones del hombre de a pie."Vivir con los ojos cerrados" es precisamente un retrato emocional de un modesto profesor de ingles en busca de sus pasiones,una,enseñar el idioma y la otra "The Beatles".
El motivo por el cual he decidido compartir esta película,aparte,claro esta por la buena historia,es por su excepcional banda sonora,interpretada por Pat Metheny y Charlie Haden,con el bono adicional de una grabacion que Yoko Ono cedió gentilmente para el film(hasta ahora inédita)del tema "Strawberry Fields Forever"donde aparece John Lennon con el solo acompañamiento de su guitarra....pero desgraciadamente no esta editada en Cd.
El día que dejé de creer en los superhéroes fue el día que comencé a creer en los genios. Seguramente a la salida del cine...Genios que llevan la adrenalina en la sangre y se la inyectan a las palabras, dotándolas así de una honestidad que emociona hasta los huesos.
Esa es la sensación de puro gozo que te deja esta película. Con un reparto en estado de gracia y con Javier Cámara (un actor para dar de comer aparte). Domina la comedia y la tragedia como nadie. Básicamente porque consigue hacer creíble todo lo que sale por su boca. Todo en él es creíble. Pasa de 'Los amantes pasajeros' a 'Ayer no termina nunca' como si tal cosa. Y ahora vuelve a cambiar de registro manteniendo el nivel y la credibilidad de siempre. Un actor descomunal.
Genios como David Trueba, quien otorga el protagonismo total a la palabra y a los actores. Historias aparentemente sencillas formadas con personajes de carne y hueso.
Un cine que, afortunadamente sigue existiendo... Aquel que va de frente, sin trucos ni pretensiones. Un cine que habla desde la honestidad. Una honestidad que emociona. Una película para seguir creyendo en los genios.
Antes de nada he de decir que esta entrada esta dedicada a mi amigo Napi.
WOODY ALLEN:
Tan amante de las peripecias humorísticas de los hermanos Marx o Bob Hope como de las películas de Federico Fellini o Ingmar Bergman,Allen ha dibujado con sarcasmo las pautas de comportamiento de su país,retratado con ironía los avatares sentimentales e intelectuales de la clase burguesa Neoyorquina,homenajeado al mundo del espectáculo y diatribado sobre sus cuestiones predilectas:el Sexo,Bill Evans (Dios),el judaísmo y la muerte,ya sea,siempre de una privativa visión de autor,desde la farsa,la comedia agridulce o el drama de inspiración Bergmaniana.
"Me interesa el futuro porque es el sitio donde voy a pasar el resto de mi vida"Woody Allen.
SINOPSIS:
América años 30. Emmet Ray es un genio del Jazz, un guitarrista magistral, sólo superado por el hombre que le obsesiona: el legendario Django Reinhardt. Sin embargo, en cuanto baja del escenario Emmet se convierte en un tipo arrogante, zafio y mujeriego que bebe demasiado y que disfruta disparando a las ratas. En definitiva, él sabe que es un músico de jazz con talento, peor también que su licenciosa vida de jugador y bebedor, su tendencia a meterse en problemas y su incapacidad para comprometerse le impide alcanzar la cima profesional y sentimental. Un día Emmet conoce a Hattie, una chica muda con la que comienza una relación demasiado seria para su gusto.
Emmet tiene un gran talento. Es egocéntrico, petulante, mujeriego, inculto..., pero sólo en apariencia. Desde el primer momento nos damos cuenta de que detrás de su arrogante charlatanería se esconden grandes miedos y complejos. Su conversación es monotemática y gira en torno a su condición de segundón en el mundo del jazz. Hattie, que será su novia durante un tiempo, es muda, y parece que tiene algún retraso mental; pero es una buena chica: atenta, cariñosa, desinteresada y, lo que es más importante, está enamorada Emmet y de su música. Sin embargo, Emmet se equivoca (él mismo lo reconocerá en una de las mejores escenas de toda la película) al empeñarse en seguir, a pesar de andar siempre endeudado, ese estilo de vida lleno de excesos típicamente asociado con las estrellas. Con ello hará daño a Hattie, algo que le remorderá la conciencia pero que se empeñará en negarse a sí mismo.
Woody siempre se ha caracterizado, salvo en un par de excepciones además de ésta, por quitarle hierro al asunto de los engaños amorosos. Con su sentido del humor habitual, lo ha tratado como algo cotidiano. Pero en esta película el coprotagonista es el drama. Los personajes de Emmet y Hattie me han parecido de los mejor escritos e interpretados de toda su filmografía: rebosan matices.
De todas formas, a Woody, como a muchos de los que somos divertidos por naturaleza, le resulta imposible ver la vida sin sentido del humor, lo que le lleva a introducir algunos gags y chistes de su cosecha particular para aligerar. Me encantó el accidentado descenso de la "media luna".
Las partes de guitarra que magistralmente interpreta Sean Penn fueron en realidad tocadas por el virtuoso guitarrista Neoyorkino Howard Alden,siendo el quien se encargo de la coreografía de dedos del actor.
Si os fijáis bien,sobre todo si tocáis la guitarra,cada vez que suena un acorde o una escala,los dedos de penn asumen la métrica con tal precisión que en realidad parece que es el quien toca,tienes que ser guitarrista para darte cuenta que lo que se ve en la pantalla no concuerda con lo que se oye.
Esta extraordinaria interpretación le valió una nominación para el Oscar pero la estatuilla fue a parar a manos de Kevin Spacey por American Beauty.
"En realidad, prefiero la ciencia a la religión. Si me dan a escoger entre Dios y el aire acondicionado, me quedo con el aire"Woody Allen.
Os he puesto además de la versión en español,la original en ingles,la banda sonora de la película y para los músicos el libro de partituras con los solos de Howard Alden.
Solo espero que disfrutéis de la música y de la película.saludos,PPJZZ.
"Solo hay una cosa mejor que los comentarios....el sexo.... y como ahora mismo no lo estáis practicando....¿porque coño no comentáis?"Pepejazzy.
En invierno de 1957 Miles Davis había sido contratado por Marcel Romano, promotor del Club Saint-Germain, para una gira europea de tres semanas que no tuvo el éxito esperado y de la que solamente se concretaron tres actuaciones en Bruselas, Amsterdam y Stutgart, además de las tres anunciadas en Paris. Gracias a esta circunstancia Miles pudo tener suficiente tiempo para conocer a los intelectuales y estrellas francesas de moda, como Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir, Boris Vian y Juliette Greco -con la que mantuvo un tórrido romance-, y de vivir, de forma intensa, las noches parisinas.
El trompetista norteamericano llegó solo a Paris, sin sus músicos habituales: el maravilloso quinteto integrado por John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Jones. Por lo que Miles seleccionó músicos jóvenes sin gran experiencia en los clubes de jazz de la ciudad – aparte de Kenny Clarke, baterista obligado para todos los músicos americanos que pasaban por Paris -, el pianista René Urtreger, el contrabajista Pierre Michelot y el saxofonista Barney Wilen, conformando un grupo que, en tan solo tres semanas, habría de encontrar un lugar destacado en la historia del Jazz.
René Urtreger recuerda su primer encuentro con Davis: “Yo tenía un póster de Miles en mi habitación. La primera vez que nos vimos, estaba tocando con un trío en algún club de Montparnasse. Recuerdo que era un lugar frío y con poca luz. Miles apareció en la penumbra del local. Hacía tanto frío que se quedó con su abrigo puesto junto a la barra, daban escalofríos. Un poco más tarde saco su trompeta y comenzó a tocar con nosotros. “
Jean-Claude Rappeneau, jefe del equipo técnico de Romano, trabajaba también con un joven director aficionado al jazz, Louis Malle, que acababa de terminar el rodaje de su primera película: Ascenseur pour l´échafaud, y tuvo la feliz idea de poner a ambos en contacto para que estudiaran la posibilidad de que Davis compusiera la banda sonora de la película.
A Miles le gusto la idea de componer una banda sonora y acepto el proyecto con la condición de tener un piano y un proyector de cine para visionar la película en la habitación de su hotel. Trabajó durante dos semanas de una manera relajada ante las imágenes, en condiciones próximas al cine mudo, cuando los pianistas de la salas de cine tenían la ocasión de acompañar e improvisar varias veces la misma película.
Louis Malle era perfectamente consciente del riesgo de esta tentativa, sin precedentes en la historia del cine hablado: "La música contribuyó al éxito de la película. Le dio su tono, una atmósfera, una especie de ambiente que la música de Davis mantiene hasta el final y que le da su unidad”.
La banda sonora se caracteriza por no tener un leit-motiv concreto, un tema estelar; un concepto totalmente revolucionario en la época, y por ser una de las partituras más densas y sugerentes de la historia del cine. Se graba en tan solo dos sesiones en los estudios de La Poste Parisien, las noches del 4 y 5 de diciembre de 1957. Unos días inolvidables para Jean Moureau, la joven y atractiva protagonista del filme que ameniza las grabaciones con su simpática presencia, y para un testigo de excepción: Boris Vian.
Nunca una música se había asociado a un largometraje de esta manera. Jamás la leyenda de un filme se había construido tanto alrededor de su banda sonora. La fuerza del filme, su originalidad, plagada de novedosas imágenes, su modernidad, su trascendencia por la música de Miles Davis, su asociación a la explosión de la Nouvelle Vague, hacen que Ascenseur pour l´échafaud sea un ejemplo raro, único, de un filme que nos descubre también, un universo poético que es la identidad fundamental de la película.
La contemplación de las imagines de un Paris en negro y blanco, donde Jeanne Moreau busca un amor perdido, ha cambiado, tal vez... un poco, la historia del cine y del Jazz.
Apuntes a la grabación:
"Esta grabación fue realizada de noche en el estudio Poste Parisien en un ambiente muy distendido. Estaba allí Jeane Moreau, la protagonista de la película, que, de manera encantadora acogía a los músicos y técnicos en un bar improvisado en el estudio. También estaban presentes los productores y técnicos, y Louis Malle, en tirantes, que intentaba sacarle a Miles Davis todo lo que deseaba añadirle a la imagen. Los músicos, totalmente relajados, veían pasar en la pantalla las principales escenas de la película, y situados así en el ambiente, se lanzaban a improvisar a medida que transcurría la proyección. Es de señalar, en la toma Dîner au motel, la extraña sonoridad de la trompeta de Miles. En un momento determinado, un trozo de fragmento de piel se despegó de su labio para ir a colocarse en la boquilla. De Igual manera que los pintores deben a veces al azar la calidad plástica de sus tonos, Miles aceptó con agrado este nuevo elemento " inaudito" en el sentido literal de la palabra, jamás escuchado. No hay duda de que el oyente, incluso privado de las imágenes, será sensible al clima hechizante y trágico creado por el gran músico negro, sostenido admirablemente por sus compañeros de equipo".
